Si è inaugurata sabato 27 marzo 2010 presso la Galleria “Opus” di Grottammare, e si protrarrà sino alla fine di aprile, la mostra Francesco Colella omaggio a Salvatore Emblema. L’evento è da iscriversi tra quelli che rimarranno nella storia culturale della cittadina in quanto, accanto alle dinamiche sollecitazioni materiche di Colella che costituiscono un percorso caelequorico fotogrammato su pellicole di juta, pronto sempre ad una dilatazione entropica, accampano ben 11 magistrali emozioni razionali, che coprono un arco temporale dal 1965 al 2005, di Salvatore Emblema (Terzigno, Napoli, 1929 – 2006), uno dei grandi maestri dello Spazialismo novecentesco.
Parlare di Emblema significa ogni volta: richiamare gli anni newyorkesi tra il 1956 e il 1958, l’incontro fondamentale con Mark Rothko, l’Informale, L’Action Painting, Abstract Expressionism, la Pop Art, il Concettuale, il Minimal, la Serial Art, la Land Art, l’incontro e l’amicizia con Giulio Carlo Argan che nel 1979 lo consacra come uno dei protagonisti dell’arte moderna. Se questo è vero, ed è quindi fondamentale ricercare le tracce delle diverse compresenze culturali, è anche vero che Emblema si dimostra un artista non iscrivibile in nessuna delle correnti pittoriche del 900. Il suo percorso evidenzia una unicità ed una consequenzialità sconcertanti, dove la luce e la materia che si smaterializza (la arganiana detessitura) ripropongono infiniti intuizioni primordiali. «La vera pittura è nella Natura» recita il fondamentale assioma emblemiano: l’arte non è mimesis, cioè imitazione, ma il poiein della natura. La rivoluzione copernicana applicata all’arte.
«Quando la tela non è più solo superficie e forma ma volume, allora esce dalla bidimensionalità, e collabora con la luce». Siamo al passaggio centrale, all’esigenza di reperire un materiale naturale che non funzioni da semplice del supporto colorico, ma che diventi strumento dell’oltrepassamento spaziale. La tela di juta segna la svolta.
«Come l’omerica Penelope, trova la sua via di salvezza nello sfilare e disfare la tela, nel rimettere in discussione il già, apparentemente, compiuto per restare comunque fedele all’Odissea della pittura», anche Emblema ripete questo gesto all’infinito. Con questa fondamentale diversità: il suo ritessere non ripercorre la trama e l’ordito obbligati del telaio, ma è determinato dal fondamentale apporto luministico. «La luce del sole penetra il dipinto come penetra la terra»: di questo è convinto Emblema. Così imbeve la tela grezza di luce esponendola al sole per molti giorni prima di usarla.
Scrive Amnon Barzel:« I quadri di Emblema sono pittura di luce, luce che irradia tra le fessure della tela e tra le linee ricavate dalla detessitura, che diviene disegno di luce, apertura e finestra, verso lo spazio, quello spazio geograficamente e storicamente determinato: e perciò ubiquo ed eterno. Tutto ciò che vediamo nella luce, tra questa pittura di luce, diviene la realtà della pittura stessa. I segni di colore, come tintura dentro le radici delle fibre, non esistono sulla superficie, perché la pittura di Emblema punta verso la profondità , e non verso l’orizzontalità. […]Le tele di Emblema diventano un evento, e non lo spazio di una riproduzione. Lui non lavora sulla tela, ma con la tela». Per questo ogni proposta emblemiana ha il sapore di una scoperta e il lettore ne resta profondamente coinvolto in una irresistibile complicità.
